Konzertführer: Französische Raffinesse und skandinavische Lebensbejahung

Die französische Orchestermusik des 20. Jahrhunderts erlebte eine facettenreiche Entwicklung, geprägt von Innovation, Vielfalt und einem bewussten Streben nach nationaler Identität in einer Epoche des Umbruchs. Jacques Ibert (1890–1962) ist eine der schillerndsten Figuren dieser Ära. Mit seiner Vielseitigkeit und künstlerischen Offenheit verkörpert Ibert die Essenz der französischen Musikszene jener Zeit, die sich zwischen Tradition und Moderne bewegte. Iberts Flötenkonzert wurde während einer Zeit komponiert, in der sich die Musiklandschaft im Übergang zwischen der romantischen Epoche und der Moderne befand. In den 1930er Jahren experimentierten Komponisten mit neuen Formen und Techniken, während sie gleichzeitig versuchten, die Tradition zu bewahren. Das Konzert besteht aus drei Sätzen: Der erste Satz, hier der Anfang, präsentiert die Virtuosität des Flötenspiels mit schnellen Läufen, brillanten Passagen und einer lebhaften Atmosphäre. Die orchestrale Begleitung ist leicht und transparent, sodass die Flöte stets im Vordergrund bleibt. Der zweite Satz hebt die lyrische und melancholische Seite der Flöte hervor. Hier entfaltet sich eine intime, beinahe träumerische Stimmung, die durch Iberts meisterhafte Harmonik und orchestrale Farben verstärkt wird. Der letzte Satz ist voller Energie und Humor, ein wahres Feuerwerk der Spielfreude. Die Flöte zeigt ihre Fähigkeit. Das delikat instrumentierte Orchester begleitet mit Verve. Einen guten Überblick (mit weiteren Musikbeispielen) vermittelt der Podcast „Das starke Stück«.

Wer am vergangenen Donnerstag Mahlers 1.Sinfonie erlebt hat, lernt in diesem Konzert die skandinavische Variante der europäischen Spätromantik kennen. Ist Mahlers Werk eine Verkörperung innerer Zerrissenheit, so feiert Carl Nielsen geradezu das Leben. Gustav Mahler (1860–1911) ist bekannt für seine tief persönliche, introspektive und oft existenzielle Musiksprache. Im Gegensatz dazu ist Nielsens Musik eher von einer universellen Lebensbejahung geprägt, ohne in die emotionale Überwältigung Mahlers zu geraten. Diese Zurückhaltung und nordische Klarheit geben Nielsens Musik eine gewisse Strenge, die sie deutlich von Mahlers Gefühlsintensität abgrenzt. Die Entstehung der 4. Sinfonie fällt in eine Zeit des globalen Umbruchs. Der Erste Weltkrieg führte zu unermesslichem Leid, was viele Künstler zu Reaktionen inspirierte. Für Nielsen war der Krieg jedoch nicht nur eine politische, sondern auch eine existenzielle Krise. Seine Sinfonie ist keine direkte programmatische Schilderung des Krieges, sondern eine universelle Aussage über die Widerstandsfähigkeit des Lebens. Die vier Sätze gehen nahtlos ineinander über. Eröffnung: Die Sinfonie beginnt mit einer leidenschaftlichen und kraftvollen Geste, die die Vitalität des Lebens ankündigt. Dieses Motiv durchzieht das gesamte Werk und wird in unterschiedlichen Formen weiterentwickelt. Ruhige Zwischenspiele: Der zweite Abschnitt bietet lyrische Momente, die einen Kontrast zu den stürmischen Passagen bilden. Diese Passagen erinnern an die Zerbrechlichkeit des Lebens, ohne jedoch zu resignieren. Konflikt und Drama: Im dritten Abschnitt steigert sich die Musik in eine intensive Dramatik, die den inneren Kampf zwischen Zerstörung und Erneuerung symbolisiert. Finale und Triumph: Der Höhepunkt des Werkes ist das berühmte Duell zwischen zwei Pauken, das die unaufhaltsame Energie des Lebens darstellt. Die Sinfonie endet mit einem überwältigenden Gefühl von Hoffnung und Beständigkeit. Hier die Schlusstakte. Karten gibt’s wie immer auf der Website des Auditoriums.